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Tipps zum Schreiben eines Drehbuchs.
Trent Erwin über Unsplash
1. Richtig formatieren
Dies ist die Nummer eins, die Anfänger falsch machen. Drehbücher haben sehr spezifische Formatierungskriterien, daher ist es wichtig, sie richtig zu machen. Es gibt viele Dinge zu wissen, aber hier sind die Grundlagen.
Alle Drehbücher sollten in Courier 12-Punkt-Schrift geschrieben sein. Der Grund dafür ist, dass eine Seite des Courier 12-Punkts ungefähr eine Minute auf dem Bildschirm angezeigt wird. Mit dieser Faustregel können Sie bestimmen, wie lange der Film, den Sie schreiben, dauern wird. Ein 60-seitiges Skript übersetzt beispielsweise ungefähr 60 Minuten Film.
Jede neue Szene erfordert eine Szenenüberschrift, die als solche ausgedrückt wird. Erstens ist eine Abkürzung dafür, ob sich die Szene drinnen oder draußen befindet (INT. Oder EXT.). Darauf folgt unmittelbar der Ort der Szene (INT. FLOYD'S HOUSE), gefolgt von einem Bindestrich und der Tageszeit. (INT. FLOYD'S HAUS - TAG).
Wörter, die kein Dialog sind, werden als Aktionslinien bezeichnet. Aktionslinien müssen immer etwas darstellen, das auf der Kamera sichtbar ist. Mit anderen Worten, Sie möchten die inneren Gedanken eines Charakters nicht in Aktionslinien einbeziehen, da diese niemals auf dem Bildschirm angezeigt werden.
Speichern Sie diese Zeilen vielmehr für sichtbare, gerichtete Aktionen. Sie können verwendet werden, um einen Ort zu beschreiben, eine visuelle Beschreibung dessen, was ein Charakter tut oder fühlt, alles, was gesehen wird.
Für den gesprochenen Dialog muss das sprechende Zeichen in Großbuchstaben geschrieben werden. Der gesprochene Dialog sollte unter dem Charakternamen zentriert sein. Beispielsweise:
Bestimmte Einstellungen oder verbale Anweisungen für Charaktere werden als Klammern unter dem Namen des Charakters dargestellt, jedoch nicht direkt darunter zentriert. Beispielsweise:
Wenn ein Zeichen zum ersten Mal im Skript vorkommt, sollte es in Großbuchstaben geschrieben werden. (Der Gruppe schloss sich plötzlich TED an, der aus dem Nebenzimmer kam). Jedes Mal, wenn in einer Szene ein hörbarer Ton auftritt, sollte dieser auch in Großbuchstaben geschrieben werden. (Das Telefon klingelte dreimal).
Wenn ein Charakter spricht und der Dialog durch Aktionszeilen unterbrochen ist, schreiben Sie CONT'D in Klammern neben seinen Namen, bevor er wieder spricht. Dies geschieht, um zu zeigen, dass das Zeichen nicht pausiert und die Zeilen kontinuierlich gesprochen werden.
2. Zeigen, nicht erzählen
Film ist ein visuelles Medium, daher muss das Drehbuch dies widerspiegeln. Es unterscheidet sich vom Roman und der Kurzgeschichte darin, dass immaterielle Dinge wie Gedanken und innere Gefühle nicht gezeigt werden können. Diese Dinge müssen stattdessen visuell ausgedrückt werden.
Romanautoren, die ihr erstes Drehbuch versuchen, neigen dazu, Expositionen zu überbeanspruchen, die uns direkt Informationen, innere Gefühle oder wichtige Handlungspunkte mitteilen. Zum Beispiel enthalten viele Science-Fiction-Geschichten oft viel Exposition. Sie tun dies, weil sie oft ausgefeilte und fremde Welten beinhalten, die viel Aufbau benötigen, bevor die Erzählung stattfinden kann.
Es gibt jedoch Möglichkeiten, eine Exposition zu vermeiden. Konzentrieren Sie sich beim Drehbuch auf das visuelle Schreiben. Angenommen, Sie haben einen Charakter, der hungrig ist. Wie würden Sie das zeigen? Würdest du einen Dialog führen, in dem er einfach sagt: "Ich habe Hunger"?
Nun, das würde den Punkt vermitteln, aber es ist bezeichnend, nicht zu zeigen. Wie wäre es stattdessen mit einem hörbaren Grollen aus seinem Magen? Dann könnte man über sein köstliches Wasser schreiben, während er im Fernsehen ein Fast Food sieht.
Die gleichen Informationen werden übermittelt, jedoch visuell. Das ist die Sprache des Films. Denken Sie für jede Szene daran, sich zu fragen: "Wie kann ich dies visuell kommunizieren, ohne es zu sagen?" Wenn dieses Denken auf jede Szene angewendet wird, wird es einfacher, Möglichkeiten zur Visualisierung zu finden, anstatt dem Publikum zu sagen, was es wissen muss.
3. Brechen Sie die Aktion ab
Wie bereits erwähnt, sollen Aktionslinien Aktionen oder Orte darstellen, die wir physisch sehen. Daher können diese Zeilen viel Platz beanspruchen, wenn die Beschreibung ausführlich ist. Dies kann für den Leser umständlich werden.
Anstatt lange Absätze von Aktionszeilen zu schreiben, halten Sie sich an nicht mehr als drei Sätze gleichzeitig. Der Abstand zwischen den Aktionslinien erleichtert nicht nur das Lesen, sondern gibt dem Leser auch eine gute Vorstellung vom Tempo der Aktionen.
Nehmen wir zum Beispiel an, es gibt eine Szene, in der ein Held einen Bösewicht jagt. Sie jagen sich gegenseitig durch eine Gasse in einer großen Stadt. Am Ende der Gasse heben zwei Männer ein Klavier in eine höhere Etage. Als unser Held das Ende der Gasse erreicht, wird er von dem vor ihm fallenden Klavier angehalten, damit der Bösewicht entkommen kann. Ein guter Weg, dies in Aktionslinien zu erfassen, wäre als solcher:
Jede bestimmte Aktion erhält einen eigenen Absatz mit zwei oder drei Sätzen. Dies gibt der Szene Beats, die Schlüsselmomente sind, wenn sich die Dinge ändern. Zum Beispiel ändert sich die Stimmung der Szene, wenn wir sehen, wie die Männer das Klavier hochziehen, sodass es einen eigenen Absatz erhält. Es bringt uns dazu, die Frage zu stellen: "Warum sehen wir das jetzt?"
Wenn es in einem Absatz zusammengefasst würde, wäre es schwieriger, den natürlichen Verlauf der Szene zu identifizieren. Alle Aktionen würden zusammen laufen und es wäre schwieriger zu lesen. Denken Sie immer daran, Ihre Aktion in kurzen, angemessenen Beats zu vermitteln.
© 2019 Matthew Scherer